我从事山水画工作已有几十年了。 一路走来，我一边教书一边创作，我度过了一段充实、快乐和有益的宝贵时光。 回首往事，我感觉自己的绘画主要得益于几个阶段的学习，比如临摹传统经典、学术画墨教学、生活画与创作。 多年来，我一直遵循自己的性情，在与老师朋友的创作交流中，在与学生的教学中，以古人为师，与山河对话，用笔墨在山河中寻找艺术的真谛。 我不同时期的作品直观地再现了这种探索过程。
工作要注重传统的研究在中国艺术史上几千年来，山水画家如银河般璀璨夺目，借助艺术作品表达了个人情怀和艺术趣味。 那些流传下来的经典画作，不仅揭示了人与自然的神秘关系，也为后世画家留下了宝贵的艺术财富。 我想，或许正是因为中国山水画有着如此深厚的传统，历朝历代涌现出如此多的大师，如此独特的山水名著才吸引了世人的目光。
传统就像生命之水。 李可染先生曾说过：“要以最大的力量进入，然后以最大的勇气出来。 在传统中，我看到了中国山水的根基和生命力。 因此，我觉得山水画要想在新时代画出一种新的风格，就必须解决笔法、水墨手法、构图等一系列基本问题，这些问题都离不开传统的研究。 通过学习古代山水名著，可以更好地掌握中国画的技法和原理，既能提升作品的风格和传承，又能加深对中国画精神的理解。 因此，学习传统是山水画研究不可缺少的一环。 以古为师，是学习山水画的关键。
十年前，我有幸考上了清华美术学院的李铁生高级山水画班，其中一门课程就是临摹古人的作品。 印象最深的是我研读的《山水游记》，这是中国山水画史上的杰作，由北宋画家范宽绘制，距今已有近千年的历史。 画气势磅礴，笔法精湛，尤其是山石刻画手法和树木、房屋、人物的素描技巧，在山水画研究中十分具有代表性。 但是，由于时间的流逝，有些地方有点模糊，在临摹的时候，我经常用放大镜放大作品的部分内容，以了解绘画理论。 我觉得临摹这幅画最难的是毛笔、线条、墨水的结合，为了画好一个部分，我经常要练习几十遍。 这种学习方式也被应用于郭习、石涛、龚贤等人的作品研究。 通过临摹不同的经典画作，我逐渐掌握了处理阴阳关系的技巧，如笔墨手法、图式构图、阴阳与现实等，并将这些方法归纳成规律，进而形成了自己的审美思维、绘画模式、表现语言。 今天，我似乎从传统的研究中受益匪浅。
作品应具有扎实的笔墨技巧从广义上讲，“学术学校”是指在各大美术院校任教或从事书画创作的群体。 20世纪初，徐悲鸿、刘海粟、林风眠等留学学生将大学教育引入中国，结束了古代“师徒艺术转移、手工艺作坊”的美术教育，形成了中国画的学术流派。 如今，学院派已成为当代艺术界的一支主力军，黄宾虹、潘天寿、李可染等人都有在学院任教或学习的经历。
学术教学对我的艺术实践产生了巨大的影响。 我毕业于河北师范大学艺术教育专业，后师从分别任河北农业大学艺术学院院长、**美术学院教授、山水画系主任的王继平先生、李铁生先生学习绘画。 可以说，我是在学术教学体系下长大的。 特别是在北京学习期间，我跟随李铁生先生的学习路径，跟着贾友福、李可染、陆彦绍、黄宾红、龚宪等著名艺术家和大家，对他们的作品进行了深入的深入阅读、沉思、深入研究，对笔墨的使用有了更深入的了解和实践， 这对我帮助很大。
中国画在世界艺术中的特点是以笔法和墨水技法为基础。 笔墨是对物的生命和自身生活的高度概括和概括。 因此，我认为，要学好中国画，就需要用笔墨。 十年来，我潜心学习黄宾红、李可染等大师的笔墨技法，并融入到自己的艺术创作中，在笔墨语言的实践、理解和素描上都有了质的提升。
我的山水画经常使用积墨和破墨进行创作，并合理运用了铺水方法。 在创作时，要对画面有很强的整体概念，要有自信，哪里有黑，哪里留白。 黄宾虹先生曾说过：“画中有龙有蛇”，意思是我们不应该把所有的白都填，黑应该是一条线，白色也应该是一条线。 墨水堆积和断墨的使用不是重复叠加，而是应该用不同的笔触和方法进行。 在笔触交错的轮廓下，逐渐形成了物体的空间和阴阳关系。 只有这样，我们才能在表面上创造出一种简单、沉重、拼凑的艺术美。 此外，黄宾虹先生反复强调的“国之美如画，内在美还在中间”，是主体的审美体现，是人格和生命力的客体化，是“我们民族”的精神承载。 黄宾红先生的“内在美”深深地影响了我。
在“学院派”严谨的学习体系下，沉淀了心境，开阔了眼界，修炼了笔墨，作品的个性也逐渐鲜明。 可以说，学术学习见证了我在艺术道路上的思考、探索和收获。
注重写生，亲近自然生活是艺术的基础，艺术是生活的再现。 山水画的创作离不开生命的滋养，只有在自然山水中，我们才能不断发现和创造新的绘画语言。 “心源自外师”是中国山水画不断发展延续的核心理论基础，也是山水画大师们竭尽全力追求人生的座右铭。 石涛的其中一枚印章叫做“搜寻所有奇峰制图”，所谓“搜寻所有奇峰”，我的理解就是大胆吸收和创造丰富多彩的客观世界和人文世界，以及可以加工提炼的材料。 只有“寻寻人生的奇峰”，才能做出充满时代精神、具有鲜明艺术个性的“草稿”。
山水画大师李可然先生一生十分重视素描，他曾说过：“写生观景，要放下一套临摹前人得到的方法，要从素描对象中挖掘出新的表现方式。 临摹的目的是吸收前人的笔墨等绘画理论，但古法必须与素描的客观对象相印证，使艺术具有生命力。 中国画中素描的概念和内涵与西方绘画有着根本的不同，李可然先生所倡导的“素描创作”也是“场景的创作”，是一种师范和传统创造的“艺术创作”。
基于这种认识，这些年来，我先后去了河北的张十堰、山东的崂山、广西的三江、河南的石板山、安徽的齐云山、山西的五台山、五老峰、湖南的张家界、河北的莱水大龙门、宜县的三建领、白洋淀等地写生，在真实的山和真实的水域， 懂得山水之灵，淬炼笔墨的宽广胸襟。
大自然是无限的，永远无法探索。 通过不断的写生，我仔细观察和研究自然，发现自然中的美法则。 学会从整体上观察和筛选物体，可以提高处理综合问题的能力。 观察物体和现象的问题，要从浅到深，从被动到主动，从写形式到写神，从理解自然的单一性、片面性转向复杂性、多面性。 当我们面对物体时，我们不仅要保持对它们的情感和冲动，还要保持对笔墨的控制的秩序和理性。
“教师创作”的素描，就是把物和生活当成自己最好的老师，用感情与物、与影像对话，把握物的精神，真正达到胸中万千天气的境界。 素描与创作相辅相成，只有借助素描，创作者才能了解自然、了解生活、了解艺术，才能用最精致的笔墨来表达最生动的绘画内容。
在写生不同区域的过程中，我一直试图将传统的笔墨修炼与场景的创作相结合，从而实现笔墨与物物的神圣和谐，以个性化的观察和理解，创作出具有主体精神和智慧的素描。 山川相伴，山峦相伴。 对于山水画的创作，我认为我们应该向古人学习，但不应该被古人所束缚; 素描自然，但你不能被自然所限制。 一个真正的艺术家需要时刻保持独立的人文视角，用真情实感的作品解构自然和生活。 未来，我会继续用我所学和理解的东西，呈现我心中的山水家园。
彭金辉，1967年出生，保定市中小学教师培训中心高级讲师。 现为中国工笔画社会员、河北省美术家协会会员、河北省女画家协会会员、保定市美术家协会理事、主席团委员。
曾被评为河北省优秀教师、河北省骨干教师、保定市艺术学科领军人物、教师道德典范、保定市名师、美术学科名师。 出版《当代艺术家经典作品：彭金晖中国画集》《庆祝中国共产党成立100周年》等多部画集。
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