对“正手”和“反手”的批评。薛元明.
近日，《书法日报》推出题为《第七届中国书法馆奖获奖作品评析》系列文章，邀请我直接批评批评家，或谈谈自己对批评家的批评和批评的看法，不禁让我想起了经济活动中的“正手”和“反手”， 而“后手”可以追索所有“前手”。借鉴这一理论，除了批评家和批评家之外，在批评活动的发展中也存在着“反批评”的存在，可以检验批评的效果。 对于批评，不管你同意还是不同意，最好是有意见，最怕的就是沉默。 当然，真正的沉默也是一种态度。
从5位特约评论员的文章来看，还是有一些道理的。
奇怪的是，我的第一反应是：为什么要选择“赢家”进行批评？按照传统思维，应该被批评的应该是“失败者”，不成功的作品会因为很多缺点而被拒绝。 既然作品能获奖，就应该在很多方面都很突出。 这个选择意味着什么？批评的关键是参加过第七届兰亭奖，被视为“最佳”获奖作品的“获奖作品”的标签。 说到这里，笔者心中有一个疑问——“获奖作品”是“真正的经典”，还是因为它“适应了评委的口味”？如果你思考一个看似简单的问题，批评的意义和目的就会被强调出来。
例如，我不同意一位评论家对张立安第七届中国书法馆获奖作品的“古典主义气质”的评价，我个人认为他的作品只是披上了“古典主义的外衣”。 从他的作品来看，几乎每个角色都和《王者圣令》中的“同一角色”非常相似，也有一定的努力。 尽管如此，抄袭还只是处于“相似”阶段，远未达到“相似与不同”的程度。 古代，赵孟福、董启昌、王铎、温正明等众多高手都拿了《王者圣旨》，同样的字也写得很近，但还是一眼就能看出个人气质，明显做到了“相似但不相似”。
《王圣教序言》本身也是一本文字集，张立安的作品是“一本文字集”，其本质变成了“拼盘”，《我》在**？如果他的名字被遮挡，就不可能识别出作者的身份。 这是一个典型的“展览机构”。 当然，这不是作者的责任。 在当下的书法大赛评比体系中，投稿作品要想有所作为，就必须适应这样的模式，而评委的固化乃至审美的固化，才是“展体”应运而生的根本原因。 归根结底，“展览风格”出现的另一个原因是“技术”与“文学”的分离。 俗话说“肚子里有诗书”，书法家有文化造诣时，书香气自然流淌，不是某古文的抄本，仿佛有“文”。 书法是慢生活，需要长时间的工作，需要结合具体作品来评判，没有统一的标准，因为就算是大师，也未必处于一种状态，可能会有娱乐的局面。
我和顾松章是多年的朋友，可以说是知根。 他有个人想法，有个人计划，有个人感受，几十年来一直坚持下去，理论与实践相互促进。 他的书法和篆刻创作分开看，没有问题，但一旦结合，就有一定的需要空间。 最典型的就是其书法擅长韩锦文，而印章的主要创造者是鸟虫印，如何做到合一？宋章哥非常喜欢研究习汉玉印，突破口可能就在这里。 翡翠印章有其独特性，实现了“做”与“书”、“匠”与“意”的完美结合。 对于松章哥来说，关键是如何在工作稳定性中体现写意精神，过度的工作稳定性必然导致匠心，边界在第一位此外，汉进文是写意的，鸟虫有浪漫的气质，如何在合理安排中实现自由自然的发挥，也是一个需要考虑的问题。 其实，归根结底，可以归结为人、书、印刷的关系，自己的思想如何成为主宰书写和印刷风格的决定性因素，如何在技艺的积累和创作的发挥中找到“平衡点”。
崔寒白被很多人误认为是“网红”，几年前在书法网和如今的微信圈里非常火爆。 本质上，他出道很早，但有一段时间他去了大洋彼岸，暂时离开了国内书法圈，如今他已经成功回归。 崔大哥的获奖让我想起了一个很重要的问题——书法家如何才能让自己充满“耐力”？如果从20世纪80年代的所谓“书法热”算起，很多红极一时的书法家都因为种种原因退出了。 成功者必须坚持到底。 崔寒白的珍贵在于有自己的思考和判断，这是他人生的根基，也是成功的源泉，所以他能成就一个家庭的风采，有一定的“风采认同”，这并不容易。 从他的许多作品来看，同样值得肯定的是，他并没有刻意把重点放在所谓的“正式制作”上。 对于崔哥来说，最重要的一点是如何处理艺术与市场的关系。 市场需求量大，肯定有很多写，最后的影响：一是风格和习的问题。 “习”一方面是指坏习习惯，另一方面指惯性——即使不是坏习习惯，如果变成“一招熟”，也有可能阻断自己的创新通道。 二是生熟问题。 书法要煮熟后生，画要煮熟。 根据抄袭，目前的主要问题是它太复杂了。 “熟练”的最终结果有两种，一种是熟悉而庸俗，另一种是熟悉而多变。 成功的书法家可以不断挑战自我，突破自我。 而艺术家最大的敌人往往是他自己。
归根结底，书法需要一个过程，一个需要顺其自然的过程，需要一个正常的头脑。 也许几年后，很多赢家会被“忽视”甚至“消失”，这听起来可能不容易接受，让人觉得不可思议。 然而，从另一个角度来看，这恰恰是一种“常态”。 时间甚至历史的见证者，也是最严厉的批判。
让我们拭目以待！